La ex corista del cantautor Luis Silva vive su momento estelar gracias a En carne viva, un tema musical compuesto “para reivindicar a la mujer”, según comenta.
Scarlet Linares en carne viva
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martes, 27 de mayo de 2008
Scarlet Linares
La ex corista del cantautor Luis Silva vive su momento estelar gracias a En carne viva, un tema musical compuesto “para reivindicar a la mujer”, según comenta.
Scarlet Linares en carne viva
lunes, 26 de mayo de 2008
Grupo Un Solo Pueblo(Venezolano)
La siempre querida y permanente agrupación Un Solo Pueblo se prepara para regresar a los escenarios con todas las fuerzas, conservado esos característicos y sabrosos ritmos que hicieron bailar, cantar, llorar y vivir múltiples a muchos venezolanos.
Hace más de 30 años que fue fundada por los hermanos Florentino e Ismael Querales, dos músicos excepcionales que supieron darle sentido a sus sueños, pero que jamás se imaginaron que pasarían más de tres décadas y que aún se conservarían como un sello en las mentes del pueblo al que cantaron temas como La Matica, Córrela, Woman del Callao y María Paleta, éxitos de ayer y de siempre.
Ahora, en el 2007 y con una amplia trayectoria como peso, la agrupación que es pionera de la difusión folklórica de este país, vuelven con "El Cocuy", una canción de David Camacho y producida por Teo Capriles Querales que promete robarse los primeros lugares en la radio, en las que ha estado sonando, obteniendo amplia aceptación del público.
Evocando los “olores de la patria”
Florentino Querales concedió una breve entrevista a La Voz en nombre de todos los integrantes del grupo, en la que nos explicó que "El Cocuy" es el tema promocional de una nueva producción discográfica que estará lista para principios del próximo año 2008, la cual lleva como título "Las parrandas de Venezuela Un Solo Pueblo" y que se unirá a una gira nacional este mismo año.
"Esta canción se presenta con la virtud de conservar lo mejor de las parrandas costeras, la algarabía de la juventud pujante, además del mensaje de amor y optimismo. Intentamos lograr a través de nuestras letras evocar los olores de a tierra, del campo, la costa y la sabana, un canto colectivo que reivindican sus orígenes. A ella se agregan aportes musicales novedosos", expresó Querales.
Un Solo Pueblo se convierte en una institución formadora. En ella han estado cantantes reconocidos, entre ellos Francisco Pacheco, quien ahora echa raíces de forma independiente.
Francisco Pacheco nació en Cata, un pueblo costero del estado Aragua. Allí se formó en la fe de músicas y danzas en el repentismo de sirenas y golpes sanjuaneros; en las parrandas, malojeras y aguinaldos decembrinos, en los tonos de oficio de la Semana Santa y en los cantos de fulías de rogativas agrarias.
Desde niño se nutrió de la enseñanza de su madre Paula Croquer, Capitana del San Juan de Cata, a quien le debe haber sido un ìdiablo iniciadoî a los 10 años de edad, como promesero y devoto del santísimo sacramento, para ser hoy ìDiablo Danzanteî en la ceremonia anual de Corpus Christi.
Su larga trayectoria en el medio le permitió conocer los distintos cantos del territorio venezolano a través de sus cultores naturales, ese hecho sumado al timbre tan particular de su voz lo han convertido en un símbolo de nuestra expresión musical venezolana, al interpretar la música de todas nuestras regiones, partiendo de los cantos de tambor, sangueos, parrandas, fulías, pasando por el calypso, la gaita, el merengue, hasta llegar a las distintas expresiones del joropo, y se ha hecho merecedor del título de "El Cantista Mayor"
Desde niño se nutrió de la enseñanza de su madre Paula Croquer, Capitana del San Juan de Cata, a quien le debe haber sido un ìdiablo iniciadoî a los 10 años de edad, como promesero y devoto del santísimo sacramento, para ser hoy ìDiablo Danzanteî en la ceremonia anual de Corpus Christi.
Su larga trayectoria en el medio le permitió conocer los distintos cantos del territorio venezolano a través de sus cultores naturales, ese hecho sumado al timbre tan particular de su voz lo han convertido en un símbolo de nuestra expresión musical venezolana, al interpretar la música de todas nuestras regiones, partiendo de los cantos de tambor, sangueos, parrandas, fulías, pasando por el calypso, la gaita, el merengue, hasta llegar a las distintas expresiones del joropo, y se ha hecho merecedor del título de "El Cantista Mayor"
VENEZUELA (Mi Patria Querida)
Francisco Pacheco "Un Solo Pueblo"
domingo, 25 de mayo de 2008
Tambor Urbano
Tambor Urbano nace a finales de 1988 y se traza como meta llevar el golpe de tambor, ritual, cantos y danzas a las grandes fiestas Caraqueñas, fusionando para ello los diferentes rítmos de tambores y tonadas de las distintas zonas del país donde se realizan estas costumbres y tradiciones.
Utilizando como base rítmica el tambor cumaco y las guaruras, se convirtió en una de las agrupaciones folklóricas venezolana de mayor carisma y proyección nacional, logrando llevar esta expresión de carácter autóctono y negroide a todos los rincones del país.
Tambor Urbano logró romper con el mito de que el golpe de tambor era exclusivo para la gente negra, convirtiéndose en un pieza clave de todo tipo de eventos.
En su trayectoria está, además de los grandes conciertos, haber recibido los principales premios que se otorgan en el país, tales como ìCasa del Artistaî, ìMara de Oroî, ìEstrella de Venezuelaî, ìMusa de Oroî, ìCacique de Oroî y muchos más.
Utilizando como base rítmica el tambor cumaco y las guaruras, se convirtió en una de las agrupaciones folklóricas venezolana de mayor carisma y proyección nacional, logrando llevar esta expresión de carácter autóctono y negroide a todos los rincones del país.
Tambor Urbano logró romper con el mito de que el golpe de tambor era exclusivo para la gente negra, convirtiéndose en un pieza clave de todo tipo de eventos.
En su trayectoria está, además de los grandes conciertos, haber recibido los principales premios que se otorgan en el país, tales como ìCasa del Artistaî, ìMara de Oroî, ìEstrella de Venezuelaî, ìMusa de Oroî, ìCacique de Oroî y muchos más.
TAMBOR URBANO DE VENEZUELA
TAMBOR URBANO SABADO SENSACIONAL
TAMBOR URBANO
Miss Venezuela 1994
Magia Caribeña
Bajo el signo de CANCER, nació un 26 de junio en la ciudad de Caracas (Venezuela) Federico Junior, en su trayectoria artística ha grabado 5 producciones discográficas (tropical - Salsa). Su primera actuación fué con la orquesta de su padre denominada "Federico y su Combo Latino" (la primera orquesta de salsa que existio en Venezuela) donde el ayudaba a su padre con los instrumentos. Un día el timbalero falto a una presentación, teniendo su primera oportunidad para tocar el timbal en la orquesta de su padre. Luego de muchos años su sueño se hace realidad, tener su propia orquesta, "MAGIA CARIBEÑA" .
La Orquesta MAGIA CARIBEÑA, ha acompañado artistas internacionales de la música latina (salsa) como: Eddie Santiago, Adalberto Santiago, Lalo Rodríguez, Kim de los Santos, Viti Ruíz, Raulín Rosendo, Gústavo Rodríguez (Colombia), Alex D' Castro, Pedro Arroyo, Paquito Guzman, Roberto Lugo, Nino Segarra, Luisito Carrión, Willie González, entre otros.
La Orquesta MAGIA CARIBEÑA, ha acompañado artistas internacionales de la música latina (salsa) como: Eddie Santiago, Adalberto Santiago, Lalo Rodríguez, Kim de los Santos, Viti Ruíz, Raulín Rosendo, Gústavo Rodríguez (Colombia), Alex D' Castro, Pedro Arroyo, Paquito Guzman, Roberto Lugo, Nino Segarra, Luisito Carrión, Willie González, entre otros.
MAGIA CARIBEÑA (2003 Curazao festival Center)Federico Junior
MAGIA CARIBEÑA (MICAELA)
MAGIA CARIBEÑA (FEDERICO BOOGALOO) federico junior "video"
MAGIA CARIBEÑA ( RUMBA BUENA ) federico junior Belgica 2006
sábado, 24 de mayo de 2008
Sergio Perez
Tengo Corazón
Mentiras
Mentiras
El cantante, compositor y arreglista Sergio Pérez quien estuvo en los grupos Frutas Bravas y Adrenalina Caribe. En los ochenta conquistó a los venezolanos con sus temas “Mentiras” y “Curanderos”. A partir de allí editó Mueve un pie, Hay que vivir y Se oye en la calle. Hace poco estuvo de gira con Melissa y Aguilar en el evento “Aquí estamos” y está preparando un larga duración de música tropical que lanzará en agosto de 2007.
Daiquiri Tropical
Una de las bandas mas importantes de los años ochenta, Daiquirí, liderada por Alberto Slezynger,
El polifacético músico y economista Alberto Slezynger estuvo presente en Caracas para promocionar el nuevo trabajo de su grupo musical, Daiquirí, un ícono de la fusión latina y tropical de los años ochenta, que ha vuelto a la vida con el álbum Caribe Soy.
Grabado tras un año de minuciosa producción, el disco fue presentado a finales del año anterior pero varios meses después Latin World se ha encargado de promocionar este disco en Venezuela, producción en la que Slezynger bucea en sus raíces cubanas y se inspira en los big bands antillanos de los años cincuenta.
'Venezuela fue el primer lugar donde se hizo fusión caribeña gracias al proyecto Daiquirí', comentó Alberto Slezynger en una rueda de prensa donde anunció su participación en un disco tributo a Simón Díaz de pronta aparición. 'En este álbum presentó a un Daiquirí refrescado, con una nueva fusión en la que mezcló los sonidos clásicos del grupo con el de los héroes musicales de toda mi vida, tratando de innovar y usando como herramienta el ámbito digital de programas como Pro Tools'.
Luego de una visita a su Cuba natal, tras 30 años de exilio, Slezynger confiesa haber 'revuelto sus raíces' al conocer a una serie de músicos locales y resolvió recrear la fusión musical típica del grupo Daiquirí con los sonidos orquestales de las Big bands cubanas, contando con el productor y arreglista Juanito Márquez (Gloria Estefan, Julio Iglesias) y músicos invitados tales como Nené Quintero o Tony Concepción.
Puro Deseo de Amar - Grupo Daiquiri
Chamo Candela
Franco de Vita
Franco de Vita nació en Venezuela y a los tres años de edad se marchó junto a su familia a vivir a Italia. Recién diez años después regresó a su país natal, donde comenzó a estudiar música en el Conservatorio y gestó su excepcional carrera como cantante. La carrera pofesional de Franco de Vita se inició con el grupo 'Hábeas', con quienes animó fiestas y locales públicos de Caracas.
En 1982 formó el grupo 'Icaro', con el que graba un disco en el cual compone todos los temas. En 1983 graba su primer disco como solista, Franco de Vita, con el que causa sensación en el ambiente musical de su país. Con ese álbum gana discos de Oro y Platino.
Gracias al tema 'Sólo palabras', que graba a dúo con Frankie Valie, comienza a ser conocido también en los núcleos estadounidenses de población latina. En 1998, el nombre de Franco de Vita subió a los primeros lugares de las listas de éxitos de todo el mundo, como autor de 'Vuelve', el tema que Ricky Martín inmortalizó en uno de sus álbumes.
En su trabajo, 'Nada Es Igual', realizado en 1999, se acercó más a los ritmos latinos. Los temas más destacados son: 'Lluvia', 'Te veo venir Soledad' y 'Traigo una Pena', en éste último, se pueden apreciar las voces de Cheo Feliciano y Gilberto Santa Rosa.
Franco de Vita - Un buen perdedor
Gracias al tema 'Sólo palabras', que graba a dúo con Frankie Valie, comienza a ser conocido también en los núcleos estadounidenses de población latina. En 1998, el nombre de Franco de Vita subió a los primeros lugares de las listas de éxitos de todo el mundo, como autor de 'Vuelve', el tema que Ricky Martín inmortalizó en uno de sus álbumes.
En su trabajo, 'Nada Es Igual', realizado en 1999, se acercó más a los ritmos latinos. Los temas más destacados son: 'Lluvia', 'Te veo venir Soledad' y 'Traigo una Pena', en éste último, se pueden apreciar las voces de Cheo Feliciano y Gilberto Santa Rosa.
Franco de Vita - Un buen perdedor
Las Chicas del Can
Grupo femenino de bachata y merengue originario de República Dominicana. El grupo fue formado por iniciativa de Belkys Concepción, una mujer que dictaba clases de música y buscaba tener un grupo musical profesional formado exclusivamente por mujeres. En 1976 forma “Las muchachas” y en 1981, de la mano de Wilfredo Vargas, nace “Las chicas del can”. El nombre se los da Yaqui Nuñez en una presentación en “El show del mediodía”. El grupo está compuesto por Ileana Reynoso, Isis Rivera, Myriam Cruz, Teresa Dominguez, Verónica Medina y Eunices Bentances. Entre sus temas más exitosos figuran “El Higüerón”, “El gobierno de mujeres” y “Chupando Caramelos”. Desde 1981 hasta 1984 el grupo obtiene gran reconocimiento del público y la critica. En 1983 editan el álbum “Belkis Concepción y las chicas del can”, con la discográfica Karen Records. Algunos de sus éxitos son: “Todo es para mí”, “Te daría” y “El baile de los pajaritos”.
Las Chicas Del Can - Besos Callejero
viernes, 23 de mayo de 2008
Tito Puente
(Ernesto Antonio Puente; Nueva York, 1920 – 2000) Compositor y percusionista estadounidense de origen latino. Conocido como "el rey de los timbales" por sus vigorosas interpretaciones con este instrumento, fue uno de los grandes difusores de la música latinoamericana en Estados Unidos. Considerado universalmente como el padre de la salsa y el jazz latinos, dedicó más de seis décadas de su vida a hacer música, actividad en la que dejó una prolífica obra que abarca más de cien álbumes grabados entre 1949 y 1994.
Hasta los diez años de edad, el pequeño Tito sólo ambicionaba ser bailarín profesional, pero tras lesionarse un tobillo mientras montaba en bicicleta, su vocación dio un giro radical; se decidió a estudiar composición musical y empezó a tocar con bandas locales. Considerado por su familia y amigos un niño prodigio, su primera actuación tuvo lugar a temprana edad con la banda de Los Happy Boys en el Hotel Park Place, y poco después, ya en la adolescencia, se unió a Noro Morales y la Orquesta Machito.
Tito Puente en Lima - Oye Como Va (Mambo-inn.com)
Tito Puente and the bongo song
Rubén Blades
Rubén Blades
Cantante, Músico, Actor, Abogado y Político panameño. Biografía
Nació en el seno de una familia donde el arte siempre ocupó un lugar privilegiado, el 16 de julio de 1948 en el barrio de San Felipe, Ciudad de Panamá, República de Panamá. Sus padres fueron Rubén Blades Bosques y Anoland Bellido de Luna.
En 1974, a los 26 años de edad se graduó de Abogado en la Facultad de Derecho y Ciencias Políticas de la Universidad Nacional de Panamá. Culminó sus estudios profesionales en la "Harvard Law Graduate School" el año 1985.
Desde los años 70 hasta la actualidad ha grabado más de 20 álbumes y ha participado invitado en mas de 15 producciones con varios artistas de distintos géneros y tendencias. Ha participado como actor en diversas producciones tanto de Hollywood como independientes. En reconocimiento de su labor ha recibido 6 premios Grammy.
En 1993 participó en las elecciones presidenciales de su país quedando en tercer lugar, obteniendo el 20% de los votos de entre más de una veintena de candidatos. Actualmente participa en el gobierno de su país como Presidente del Instituto Panameño de Turismo con el rango de ministro. Discografía
Sus inicios en la música se dieron en el afamado sello musical Fania de Nueva York. Sus dotes como cantante le abrieron las puertas, habiendo tenido una participación fugaz en la banda de Richie Ray y Bobby Cruz. Posteriormente en el año 1976 participo en la grabación del Long Play “De Panamá a Nueva York”, disco que sin embargo, Blades no incluye en su discografía.
Su real destape se dio cuando se juntó en fructífera combinación con el trombonista neoyorquino Willie Colón. El primer disco lanzado se convirtió en un clásico de la salsa: “Metiendo Mano” donde se ponía en letras menores: “Willie Colón introduces Rubén Blades”(Willie Colón presenta a Rubén Blades). De dicho álbum salieron los éxitos Pablo Pueblo y Según el Color. El disco fue recibido con muy buenas opiniones por la crítica, pero lo mejor estaba aún por venir.
Varios críticos de la música salsa no dudan en afirmar que existió un disco que marcó un antes y un después en el desarrollo de la salsa. Incluso el crítico musical peruano Luis Delgado Aparicio afirma que este disco es un hito en el desarrollo musical del siglo XX. El disco Siembra incluyó los temas clásicos Pedro Navaja, Plástico, Buscando Guayaba y Siembra. En este disco ya se veía consolidado lo que en un inicio se dejó entrever en “Metiendo Mano”: la habilidad de Rubén Blades de poner en sus letras una impronta personal que después sería llamada “Salsa Intelectual”. En tiempos donde la salsa empezaba su movimiento desde el barrio y la calle a los salones de baile; y las experiencias cantadas de los “guapos” se trocaban por motivos mas “sensuales”, Rubén Blades le cantaba al bandido, al matarife y a la calle. En “Plástico” se deja ver otro tema recurrente en la discografía de Rubén, la exhortación a que una América Latina despierte y un sueño de hispanoamericanismo que manaba directamente desde Bolivar. Actualmente “Siembra” es considerado todo un clásico de la música salsa y es uno de los discos mas vendidos del género.
Bohemio y Poeta no tuvo tanta pegada, pero si la tuvo su disco doble Maestra Vida donde narra la historia de una familia cualquiera en un país de América Latina que podría ser tanto México o Argentina como Bolivia o Guatemala. De ese disco doble destacaron las canciones Manuela, El Nacimiento de Ramiro, y Maestra Vida. Los retratos a lo que se entiende por “barrio”, las críticas a los gobiernos latinoamericanos en general y el canto al amor y a la mujer hacen de este disco doble un referente integral de los valores que tiene la salsa como música según opinión generalizada del público.
La unión con Willie Colón editó además los discos Canciones del Solar de los Aburridos y The Last Fight.
La etapa de Rubén Blades como solista tuvo los álbunes El que la hace la paga y Mucho Mejor, siendo este un disco mas bolerista que salsero.
Nació en el seno de una familia donde el arte siempre ocupó un lugar privilegiado, el 16 de julio de 1948 en el barrio de San Felipe, Ciudad de Panamá, República de Panamá. Sus padres fueron Rubén Blades Bosques y Anoland Bellido de Luna.
En 1974, a los 26 años de edad se graduó de Abogado en la Facultad de Derecho y Ciencias Políticas de la Universidad Nacional de Panamá. Culminó sus estudios profesionales en la "Harvard Law Graduate School" el año 1985.
Desde los años 70 hasta la actualidad ha grabado más de 20 álbumes y ha participado invitado en mas de 15 producciones con varios artistas de distintos géneros y tendencias. Ha participado como actor en diversas producciones tanto de Hollywood como independientes. En reconocimiento de su labor ha recibido 6 premios Grammy.
En 1993 participó en las elecciones presidenciales de su país quedando en tercer lugar, obteniendo el 20% de los votos de entre más de una veintena de candidatos. Actualmente participa en el gobierno de su país como Presidente del Instituto Panameño de Turismo con el rango de ministro. Discografía
Sus inicios en la música se dieron en el afamado sello musical Fania de Nueva York. Sus dotes como cantante le abrieron las puertas, habiendo tenido una participación fugaz en la banda de Richie Ray y Bobby Cruz. Posteriormente en el año 1976 participo en la grabación del Long Play “De Panamá a Nueva York”, disco que sin embargo, Blades no incluye en su discografía.
Su real destape se dio cuando se juntó en fructífera combinación con el trombonista neoyorquino Willie Colón. El primer disco lanzado se convirtió en un clásico de la salsa: “Metiendo Mano” donde se ponía en letras menores: “Willie Colón introduces Rubén Blades”(Willie Colón presenta a Rubén Blades). De dicho álbum salieron los éxitos Pablo Pueblo y Según el Color. El disco fue recibido con muy buenas opiniones por la crítica, pero lo mejor estaba aún por venir.
Varios críticos de la música salsa no dudan en afirmar que existió un disco que marcó un antes y un después en el desarrollo de la salsa. Incluso el crítico musical peruano Luis Delgado Aparicio afirma que este disco es un hito en el desarrollo musical del siglo XX. El disco Siembra incluyó los temas clásicos Pedro Navaja, Plástico, Buscando Guayaba y Siembra. En este disco ya se veía consolidado lo que en un inicio se dejó entrever en “Metiendo Mano”: la habilidad de Rubén Blades de poner en sus letras una impronta personal que después sería llamada “Salsa Intelectual”. En tiempos donde la salsa empezaba su movimiento desde el barrio y la calle a los salones de baile; y las experiencias cantadas de los “guapos” se trocaban por motivos mas “sensuales”, Rubén Blades le cantaba al bandido, al matarife y a la calle. En “Plástico” se deja ver otro tema recurrente en la discografía de Rubén, la exhortación a que una América Latina despierte y un sueño de hispanoamericanismo que manaba directamente desde Bolivar. Actualmente “Siembra” es considerado todo un clásico de la música salsa y es uno de los discos mas vendidos del género.
Bohemio y Poeta no tuvo tanta pegada, pero si la tuvo su disco doble Maestra Vida donde narra la historia de una familia cualquiera en un país de América Latina que podría ser tanto México o Argentina como Bolivia o Guatemala. De ese disco doble destacaron las canciones Manuela, El Nacimiento de Ramiro, y Maestra Vida. Los retratos a lo que se entiende por “barrio”, las críticas a los gobiernos latinoamericanos en general y el canto al amor y a la mujer hacen de este disco doble un referente integral de los valores que tiene la salsa como música según opinión generalizada del público.
La unión con Willie Colón editó además los discos Canciones del Solar de los Aburridos y The Last Fight.
La etapa de Rubén Blades como solista tuvo los álbunes El que la hace la paga y Mucho Mejor, siendo este un disco mas bolerista que salsero.
Ya dentro de los años 80, Blades inicia otra etapa muy fructífera en su carrera artística al juntarse con el grupo “Son del Solar” que luego cambiaría su nombre a “Seis del Solar”. Esta unión produjo los álbumes Buscando América (donde destacan los clásicos Decisiones y El Padre Antonio), Escenas, Agua de Luna, Doble Filo, Nothing but the Truth, Antecedentes, Live! y Caminando. Esta etapa se cierra con el disco The Best.
Ya en los años 90 y luego de su experiencia política, Rubén hace un disco con Willie Colon (Tras la Tormenta) donde se intercalan temas tanto de uno como de otro. La anécdota señala que durante toda la grabación de este disco ni Colon ni Blades estuvieron juntos. Esta situación dio pie al rumor de un distanciamiento entre quienes formaron una de las combinaciones mas recordadas de la Salsa. Sin embargo este rumor fue desmentido por los propios músicos y como versión en contrario hay quienes afirman que la voz de Rubén Blades es la que hace los coros a la canción de Willie Colón, “Talento de Televisión”.
Ruben Blades-Plastico
Pedro Navaja. Ruben Blades & Seis del Solar.
Hector Lavoe
El 3 de mayo de 1963 arribó a la urbe neoyorquina. Colmado de sueños y con el único propósito de cantar en una orquesta, el joven de apenas 17 años fue a parar a casa de su hermana Priscilla, en el barrio del Bronx. Recien que un año mas tarde, un reencuentro con su amigo de infancia Roberto García, líder de un conjunto musical, le produjo su primera oportunidad artística, aunque en participaciones esporádicas.
Después de trabajar en algunas orquestas como corista y maraquero, en 1967 conoció a Johnny Pacheco, quien luego de escucharlo cantar le presentó al joven trombonista y arreglista Willie Colón, quien buscaba un vocalista para la grabación de su primer álbum, "El Malo". Pacheco jamás pensó que ese junte unía a las dos estrellas más refulgentes que tendría la salsa en la primera etapa del desarrollo de la nueva familia discográfica de la Fania.
| El binomio Héctor Lavoe y Willie Colón trastocó los patrones rítmicos que marcaron el compás del nuevo género salsero, hasta entonces dominado por un sonido agresivo. Esta unión lanzó una nueva propuesta musical que combinó el tono pícaro e hiriente de la voz del cantante ponceño y su apego a las melodías de la canción tradicional boricua, con el interés del intrépido trombonista de proyectar en su trabajo la evocación nostálgica del sonido de las raíces de la música puertorriqueña. Así, el orgullo campesino logró un espacio en el mundo salsero que se curtió en la diáspora, combinado con composiciones modernas y matizadas por fraseos y frases típicas de la ruralía, como el famoso "lelolai". | |
Héctor Lavoe y Willie Colón triunfaron porque, además de cautivar con su propuesta artística, lograron sembrar la imagen de niños malos del barrio. Se abrieron paso contando sus historias, como si se tratara de la consignación de un texto social que relataba las vicisitudes del emigrante.
Este junte duró 7 años, produjo 10 discos y sentó pautas con éxitos como "Ausencia", "Cheche colé", "Juana Peña", "Barrunto", "Abuelita", "La Murga", "Piraña", "Soñando despierto" y "Todo tiene su final".
En 1973, Willie Colón optó por disolver su orquesta cansado de los descontroles y los desórdenes de la vida un poco turbia que llevaba Héctor Lavoe, no sin antes recomendarle que armara su propia banda, para la que le ofreció sus músicos y se mantuvo como productor de sus discos.
Sus influencias salseras las adquiere de Cheo Feliciano, Ismael Rivera e Ismael Quintana.
Héctor Lavoe comienza una nueva etapa en su vida con la aparición, en 1975, de la producción "La voz", que incluyó su primer éxito en solitario, "El Todopoderoso". De ahí deriva si nombre artístico “Lavoe”. Por su talante como improvisador se ganó los nombres de "El cantante de los cantantes", "El Bad Boy de la Salsa", "El Cantante", "El jibarito de Ponce" y "El rey de la puntualidad", este último porque nunca llegó temprano. Nunca exhibió aires de arrogancia y siempre fue humilde. | |
Luego, en 1976, lanza "De ti depende", con el clásico "Periódico de ayer", justo cuando ya era considerado como el mejor cantante puertorriqueño de salsa de Nueva York.
Su vida, sin embargo, anduvo en sobresaltos y los malos andares le provocaron un retiro temporal de los escenarios para someterse a un tratamiento contra la adicción a drogas.
Meses más tarde, regresa recuperado a complacer a su público con el álbum "Comedia" (1978), uno de los más exitosos en su carrera que incluyó los temas "La verdad", "Comedia" y "El cantante", este último escrito por Rubén Blades. A esa producción le siguió "Recordando a Felipe Pireda" (1979), "Feliz Navidad" (1979), "El sabio" (1980), "Qué sentimiento" (1981) y "Vigilante" (1983), que incluyó el tema "Juanito Alimaña", escrita por Tite Curet Alonso y que en la voz de Héctor Lavoe se consagró como una oda más a la historia de "maleantes honorarios".
En 1985 publicó "Reventó", con los éxitos "La vida es bonita" y "La fama", y en 1987 lanza su último trabajo en solitario, "Strikes Back", que incluía el tema "Loco", en una abierta manifestación de deshago.
Tras cada interpretación, imprimió el estilo callejero y desafiante que representó, adornado con su amplio refranero popular y su tono de "poeta de la calle".
Vivió su vida en sobresaltos y sucumbió ante las drogas.
No solo sufrio el asesinato de su hermano, en 1987 su suegra fue asesinada, su padre fallece y su hijo mayor, Héctor Luis, muere a los 18 años de edad de un disparo accidental que le produjo un amigo.
A principios de 1988 se le diagnostica que padece de sida.
Tras tantas desgracias, después del fracaso de un recital, regresó al hotel Regency de San Juan, donde pernoctaba, y el domingo 26 de junio de 1988 se lanzó al vacío desde el octavo piso. Este hecho marcó el ocaso de una vida gloriosa y atormentada que postró al salsero y lo dejó malherido, al punto de malograr sus cuerdas vocales.
Tras el incidente, intentó volver a cantar sin éxito y sin que nadie se compadeciera de su pena. Siempre hubo sedientos productores que en su afán de lucro lo presentaron en conciertos, aunque apenas podía entonar sus afamadas melodías.
El mediodía del 29 de junio de 1993, cinco años después de mal intentar su intento de suicidio, murió en la ciudad de Nueva York. Sus restos fueron trasladados a Puerto Rico y reposan junto a los de su esposa y su hijo.
Hèctor Lavoe - Ausencia
Hector Lavoe " PERIODICO DE AYER"
El Cantante. Hector Lavoe.
hector lavoe-triste y vacia
Willie Colón
Willie Colón nace bajo el nombre William Anthony Colón Román, el 28 de abril de 1950 en el Bronx, Nueva York. Hijo de inmigrantes puertorriqueños, recibe las primeras influencias de su abuela quien recreaba en la intimidad del hogar el repertorio popular de su país. Los primeros pasos de Willie Colón en la música datan de 1965 cuando se integra al movimiento salsero liderado por Tito Puente, Charlie Palmieri, Eddie Palmieri, Larry Harlow y Ray Barretto. En 1967 participa en la formación del sello discográfico La Fania, el mismo nuclearia las expresiones musicales latinas que se estaban produciendo simultáneamente en Nueva York. También durante ese año y bajo ese mismo sello, edita su primer disco junto a Héctor Lavoe. La canción “El Malo”, del álbum homónimo, se convierte en un éxito recordado hasta hoy. El dúo adquiere gran reputación en el circuito de clubes, sus temas contribuyen a que la música latina comience a sonar en las radios de Nueva York y a la difusión del sello Fania, con el que editan “El buscón” (1968), “Guisando” (1969), “Cosa nuestra” (1970), “Asalto navideño” (1971), “La gran fuga” (1971), “El crimen paga” (1972), “El juicio” (1972), “Lo mato” (1973) y “El bueno, el malo y el feo” (1975). Tras siete años de carrera, este dúo se separa y Willie Colón se une a Rubén Blades, con él su carrera se afianza, y en 1977 graban “Metiendo mano”. En 1978, editan el famoso álbum “Siembra”, al que siguieron las producciones “Maestra vida I y II”, “Canciones del solar de los aburridos” y “The Last Fight”. Paralelamente, Willie Colón realiza trabajos como productor para Tania Libertad, Sophy y Soledad Bravo y como arreglador y músico para Celia Cruz, junto a la que graba la recordada canción “Burundanga”. Su trabajo como solista incluye los discos “Doble energía” (1980) junto a Ismael Miranda, “Solo” (1979), “Fantasmas” (1981), “Mi sueño” y “Tiempo pa'matar” (1984).
Gitana. Willie Colon
Willie Colon - Oh Que sera
sin poderte hablar - willie colon
Hector Lavoe y Willie Colon - No Me Llores Mas
jueves, 22 de mayo de 2008
karolina con k,miguel moly
KAROLINA - LAMBADAS
Karolina - Sueños - OTI Venezuela 1992
Miguel Moly - Junto A Tu Corazon
Miguel Moly Popurri
Mar y Luna
Una personalidad en el ámbito musical venezolano es Roberto Antonio, creador del tecno-merengue, popular por temas musicales como “Mi cocha pechocha”, “Marejada”, “Noches de Fantasía” entre otros, que son cita obligada en una noche de fiesta venezolana.
Karolina - Sueños - OTI Venezuela 1992
Miguel Moly - Junto A Tu Corazon
Miguel Moly Popurri
Mar y Luna
Una personalidad en el ámbito musical venezolano es Roberto Antonio, creador del tecno-merengue, popular por temas musicales como “Mi cocha pechocha”, “Marejada”, “Noches de Fantasía” entre otros, que son cita obligada en una noche de fiesta venezolana.
Los fantasmas del Caribe
A principios de los noventa en Venezuela proliferó el tecnomerengue. Artistas como Roberto Antonio, Natusha, Diveana y Miguel Moly eran los representantes de este género. A este selecto grupo se le sumó una agrupación formada en 1991 con el nombre de Los Fantasmas del Caribe. Estos 6 chamos vestidos como piratas fueron nuestros backstreetboys criollos que vendieron unos cuantos discos por Suramerica.
Su primer disco “Caramelo” producido por Rodven en el año 1993 contiene sus dos éxitos más importantes “Muchacha Triste” y “Por una lágrima”. Todas las canciones de ese disco las compuso Luis Alva. Ese estilo de cantar vestidos de pirata más los pasitos de baile cargando los instrumentos es una imagen que seguirá en nuestra memoria por siempre.
Mucha gente decían que eran igualitos al grupo español “Locomía”. A pesar de que la música entre los dos grupos era diferente lo parecido de la forma de vestir no los ayudaba mucho de quitarse esa etiqueta.
Su primer disco “Caramelo” producido por Rodven en el año 1993 contiene sus dos éxitos más importantes “Muchacha Triste” y “Por una lágrima”. Todas las canciones de ese disco las compuso Luis Alva. Ese estilo de cantar vestidos de pirata más los pasitos de baile cargando los instrumentos es una imagen que seguirá en nuestra memoria por siempre.
Mucha gente decían que eran igualitos al grupo español “Locomía”. A pesar de que la música entre los dos grupos era diferente lo parecido de la forma de vestir no los ayudaba mucho de quitarse esa etiqueta.
Los Fantasmas del Caribe mira para arriba mira para abajo
miércoles, 21 de mayo de 2008
La Lupe
La Lupe es el nombre artístico de Guadalupe Victoria Yolí Raymond, una cantante nacida el 23 de diciembre de 1939 en Santiago de Cuba y fallecida el 29 de febrero de 1992 en Nueva York.
La Lupe se introdujo en el mundo de la música cantando en distintos locales habaneros, una vez terminada, por exigencia paterna, su carrera de magisterio. En 1959 formó, junto a su primer esposo, Eulogio "Yoyo" Reyes, el Trío Tropicuba, que comenzó a presentarse de forma permanente en un legendario bar de La Habana, llamado La Red. Su forma de cantar, llena de energía y con un cierto toque estrafalario, la hizo famosa casi inmediatamente en la ciudad. Prueba de ellos son sus primeros dos discos: Con el diablo en el cuerpo e Is Back. Exiliada de Cuba, pues su forma de cantar no era bien vista por el nuevo régimen revolucionario que se había instalado en el país, viajó a Miami y, a los pocos meses, a Nueva York, donde empezó a cantar en un bar de Midtown: La Barraca. Allí fue "descubierta" por el percusionista Mongo Santamaría, con el que grabó el disco Mongo Introduces La Lupe (1963). Ciertas desaveniencias con Santamaría fueron aprovechadas por Tico Records para formar un tándem con Tito Puente que grabó cuatro discos que tuvieron un éxito inaudito y la catapultaron al estrellato.
Mucho más famosa que Celia Cruz en los años 60, el éxito de La Lupe se debió en parte a su canto aguerrido, su peculiar y única manera de afrontar el bolero y la cada vez mayor influencia de una música latina alejada de los formalismos de salón que imperaron, en los años 50, en la ciudad de los rascacielos. Ese canto arrabalero, más propio del barrio que de un salón de baile, halló en La Lupe su mejor exponente femenino.
Viajó por muchos países de la región y fue cartel principal en los reputados carnavales de Caracas, en los que ganó premios a la mejor cantante y llenaba el aforo de sus presentaciones. En Nueva York fue la primera cantante latina que actuó en el Carnegie Hall y el Madison Square Garden, tal y como lo recuerdan muchas publicaciones, entre ellas The Village Voice.
En los años 70, sin embargo, varios factores incidieron para que su estrellato decayese. Su vida personal y sentimental era un auténtico terremoto (ella era santera y muchos de sus "padrinos" se aprovechaban de su influencia y dinero; su segundo esposo, Willie García, empezó a desarrollar un cuadro esquizofrénico que la obligó a gastar ingentes sumas de dinero en tratamientos médicos), sus hábitos dispensiosos hacían que, por ejemplo, gastase los 20.000 dólares que ganaba en un concierto en un nuevo abrigo de piel y la consolidación de un fenómeno llamado salsa contribuyeron a que sus producciones musicales fuesen perdiendo relevancia.
En 1974 el sello disquero Tico Records fue adquirido por Fania Records y sus directivos, que habían logrado que Celia Cruz se mudase a la ciudad y formase parte de las portentosas Fania All Stars, decidieron dejarla a ella en un segundo plano. Esto, además, fue fortalecido por una pelea que tuvo con Cruz, al afirmar La Lupe que el marido de la cantante, Pedro Knight, era santero (palero, para ser más precisos). La conversación que sostuvo con la periodista fue "off the record", pero salió publicada en El Diario/La Prensa. Parece ser que Celia Cruz le dijo a Jerry Masucci (capitoste de Fania) a modo de ultimátum: "o ella o yo".
En 1978 La Lupe pedía encarecidamente finalizar su contrato con Fania, para poder así buscar acomodo en otra casa disquera. Tito Puente, incluso, intercedió para que eso sucediera, pero la respuesta que recibieron fue la propuesta de grabar un disco, La Pareja, de desigual factura y poca relevancia entre el público. La casi nula publicidad que recibió la grabación contribuyó a que el esperado retorno de la cantante fuese sólo una ilusión.
Pobre, con su mansión hipotecada, se mudó a Puerto Rico durante unos meses mientras esperaba recibir algún contrato para cantar en los escenarios. El viaje a Puerto Rico le trajo problemas con varias cadenas televisivas, así que optó por regresar a Nueva York.
Cayó en la miseria y logró sobrevivir gracias a la ayuda de subsidios. A finales de los 80 se convirtió a la religión evangelista y compuso e interpretó canciones que fueron recopiladas en unos cassettes que es probable que sean editados algún día bajo el título de La Samaritana.
El 29 de febrero de 1992 sufrió un paro cardiaco fulminante mientras dormía en un pequeño apartamento que compartía con su hija Rainbow en el Bronx. Le sobrevivieron su esposo William García, su hija Rainbow y su hijo Rene Camaro (cuyo padre lo fue Eulogio Reyes). La tumba de La Lupe "Yiyi", se encuentra en el cementerio St. Raymond's del Bronx.
Su trayectoria, prácticamente olvidada por una generación adormecida por la mal llamada "salsa romántica", fue rescatada por la comunidad homosexual hispana y la inclusión de varios temas suyos en películas de renombre
Mucho más famosa que Celia Cruz en los años 60, el éxito de La Lupe se debió en parte a su canto aguerrido, su peculiar y única manera de afrontar el bolero y la cada vez mayor influencia de una música latina alejada de los formalismos de salón que imperaron, en los años 50, en la ciudad de los rascacielos. Ese canto arrabalero, más propio del barrio que de un salón de baile, halló en La Lupe su mejor exponente femenino.
Viajó por muchos países de la región y fue cartel principal en los reputados carnavales de Caracas, en los que ganó premios a la mejor cantante y llenaba el aforo de sus presentaciones. En Nueva York fue la primera cantante latina que actuó en el Carnegie Hall y el Madison Square Garden, tal y como lo recuerdan muchas publicaciones, entre ellas The Village Voice.
En los años 70, sin embargo, varios factores incidieron para que su estrellato decayese. Su vida personal y sentimental era un auténtico terremoto (ella era santera y muchos de sus "padrinos" se aprovechaban de su influencia y dinero; su segundo esposo, Willie García, empezó a desarrollar un cuadro esquizofrénico que la obligó a gastar ingentes sumas de dinero en tratamientos médicos), sus hábitos dispensiosos hacían que, por ejemplo, gastase los 20.000 dólares que ganaba en un concierto en un nuevo abrigo de piel y la consolidación de un fenómeno llamado salsa contribuyeron a que sus producciones musicales fuesen perdiendo relevancia.
En 1974 el sello disquero Tico Records fue adquirido por Fania Records y sus directivos, que habían logrado que Celia Cruz se mudase a la ciudad y formase parte de las portentosas Fania All Stars, decidieron dejarla a ella en un segundo plano. Esto, además, fue fortalecido por una pelea que tuvo con Cruz, al afirmar La Lupe que el marido de la cantante, Pedro Knight, era santero (palero, para ser más precisos). La conversación que sostuvo con la periodista fue "off the record", pero salió publicada en El Diario/La Prensa. Parece ser que Celia Cruz le dijo a Jerry Masucci (capitoste de Fania) a modo de ultimátum: "o ella o yo".
En 1978 La Lupe pedía encarecidamente finalizar su contrato con Fania, para poder así buscar acomodo en otra casa disquera. Tito Puente, incluso, intercedió para que eso sucediera, pero la respuesta que recibieron fue la propuesta de grabar un disco, La Pareja, de desigual factura y poca relevancia entre el público. La casi nula publicidad que recibió la grabación contribuyó a que el esperado retorno de la cantante fuese sólo una ilusión.
Pobre, con su mansión hipotecada, se mudó a Puerto Rico durante unos meses mientras esperaba recibir algún contrato para cantar en los escenarios. El viaje a Puerto Rico le trajo problemas con varias cadenas televisivas, así que optó por regresar a Nueva York.
Cayó en la miseria y logró sobrevivir gracias a la ayuda de subsidios. A finales de los 80 se convirtió a la religión evangelista y compuso e interpretó canciones que fueron recopiladas en unos cassettes que es probable que sean editados algún día bajo el título de La Samaritana.
El 29 de febrero de 1992 sufrió un paro cardiaco fulminante mientras dormía en un pequeño apartamento que compartía con su hija Rainbow en el Bronx. Le sobrevivieron su esposo William García, su hija Rainbow y su hijo Rene Camaro (cuyo padre lo fue Eulogio Reyes). La tumba de La Lupe "Yiyi", se encuentra en el cementerio St. Raymond's del Bronx.
Su trayectoria, prácticamente olvidada por una generación adormecida por la mal llamada "salsa romántica", fue rescatada por la comunidad homosexual hispana y la inclusión de varios temas suyos en películas de renombre
Sandro (cantante argentino)
Sandro o Sandro de América —nombre artístico de Roberto Sánchez— es un destacado cantautor
argentino de balada romántica, música rock & pop latina famoso en todo el continente. Nació el 19 de agosto de 1945 en Valentín Alsina (Lanús, Buenos Aires).
Es uno de los fundadores del rock en español. Publicó 52 álbumes originales y vendió 8 millones de copias, aunque hay fuentes que elevan hasta 22 millones.[1] Algunos de sus éxitos son "Dame fuego", "Rosa, Rosa", "Quiero llenarme de ti", "Ese es mi amigo el puma", "Tengo", "Trigal", "Una muchacha y una guitarra". Su tema "Rosa, Rosa" vendió en su país natal casi 2 millones de discos, siendo su obra más famosa. Su tema "Tengo" ha sido considerado el Nº 15 entre los 100 mejores temas de la historia del rock argentino, por la cadena MTV y la revista Rolling Stone.[2] Realizó 16 películas. Fue el primer latino en cantar en el Madison Square Garden. En 2005 recibió el Grammy Latino a la Trayectoria. Nació, se crió y vivió siempre en los suburbios industriales del sur de la Ciudad de Buenos Aires. Su abuelo paterno pertenecía al pueblo Rom y Sandro recogió esa herencia asumiendo el sobrenombre de Gitano
Sandro rosa rosa
Sandro de America - Una Muchacha y Una Guitarra
martes, 20 de mayo de 2008
Carlos Gardel
Charles Romuald Gardès; Toulouse, Francia, 1935Cantante de tangos, compositor y actor argentino de origen francés. Su madre emigró a Uruguay cuando el joven Gardès contaba tres años de edad, momento en el que lo inscribió en el censo de Montevideo; dicha circunstancia explica la polémica que durante años se mantuvo acerca de su origen. En su primera época como cantante, establecido en Buenos Aires y con el apodo de el Morocho (el Moreno), se dedicó a dar recitales privados en domicilios particulares, casas de amigos y cafés de barrio.
Su debut en el teatro Esmeralda (hoy teatro Maipo) de la capital argentina supuso un fuerte impulso a su carrera. En 1915 formó dúo con José Razzano y dos años más tarde viajó a Europa, donde consiguió grabar sus primeros discos. En 1920 su fama se había extendido ya por todo el continente latinoamericano, y ello le permitió rodar diversos filmes, entre los que cabe mencionar Luces de Buenos Aires y Melodía de arrabal, sus dos películas más destacadas.
En el año 1925, una afección en la garganta obligó a Razzano a abandonar su carrera musical; Gardel, ya en solitario, volvió a Europa y debutó en París y en el Teatro Apolo de Madrid. A finales de la década de 1920, la identificación de Gardel con el tango era ya un fenómeno de ámbito universal.
Avión F-31 Ford de la SACO, antes del trágico Accidente Aéreo donde juntos perdieron la vida en el Aeropuerto Olaya Herrera de la ciudad de Medellín, República de Colombia motivado al choque con otro avión similar en la pista de aterrizaje donde murieron 15 pasajeros de los dos aviones, entre ellos dos de sus guitarristas Guillermo Desiderio Barbieri y Ángel Domingo Riverol.
Mi Buenos Aires Querido - Tango
lunes, 19 de mayo de 2008
The Fania All Stars
Anacaona. Fania All Stars. 1971
Los All-Stars fue la orquesta principal de Fania Records, compuesta de los principales lideres de banda, músicos, y vocalistas de ese sello. La historia de la banda representa la ascensión y difusión de la salsa como etiqueta comercial para la música latina. El comienzo de la banda fue un evento promocional con varios artistas bien conocidos, incluyendo a Tito Puente de Tico Records y Eddie Palmieri, Ricardo Ray, y Bobby Cruz de Alegre Records. Dos de las grabaciones de la Fania All Stars: “Live At The Red Garter”, volúmenes 1 y 2 fueron estrenadas, pero ninguna de las dos se vendieron muy bien. Típico del sonido clásico es Echale Salsita.
En el 1971 el segundo concierto de la Fania All Star fue grabada y filmada en vivo, resultando en los Volúmenes 1 y 2 de la “Fania All Stars Live at the Cheetah.” Esta grabación se convirtió en el álbum latino mas vendido por un grupo grabado en un solo concierto.
Después de sus conciertos en Puerto Rico, Chicago, y Panamá, la Fania All Stars hicieron su primera representación en el Yankee Stadium, con una capacidad de 64.000 espectadores, el 24 de Agosto, 1973, con sus lumbreras principales: Ray Barretto, Willie Colón, Larry Harlow, Johnny Pacheco, Roberto Roena, Bobby Valentín y otros que gozaban con Manu Dibango, Mongo Santamaría, y Jorge Santana (hermano menor de Carlos Santana). Antes del evento, fue ambiciosamente pronosticado que el concierto iba a revolucionar la industria musical, como lo hicieron los Beatles en los primeros años del los sesenta y Woodstock en el 1969. Material de su concierto en el Yankee Stadium de Agosto 1973, y también de su concierto en el Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico, constituyen la mitad de su grabación Latin-Soul-Rock (1974).
En el 1974, la representación de los All Stars en el estadio Statu Hai (con una capacidad de 80.000 espectadores) en Kinshasa, Zaire también fue grabada por Gast y estrenada como la película “Live In Africa” - 1974 (distribuida en video en el Reino Unido bajo el titulo “Salsa Madness”, en el 1991). Esta representación Zaireña ocurrió en el festival de música que se llevo acabo en combinación con la pelea titular de peso alto entre Mohammed Ali y George Forman. La Fania All Star compartió la misma tarima con Stevie Wonder y otros artistas muy conocidos que también tuvieron la oportunidad de interpretar sus canciones.
La Fania All Star volvió al Yankee Stadium en el 1975, resultando en dos volúmenes musicales titulados “Live At Yankee Stadium” (1975), en la cual se destacaron los vocalistas de La Fania y Vaya Records cuales incluían a Celia Cruz, Hector Lavoe, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Justo Betancourt, Ismael Quintana, Pete “El Conde” Rodríguez, Bobby Cruz, y Santos Colon.
En la búsqueda de La Fania por un mercado más amplio para la Salsa, hicieron un negocio con Columbia Records para grabar una serie de álbums con la intención de cruzar géneros musicales Norteamericanos con el sonido latino. El primer proyecto fue el acoplamiento de Steve Winwood con los músicos de los All Stars reducido a una sección rítmica compuesta por Pacheco, Barretto, Roena, Roena, Nicky Marrero, y Papo Lucca, para grabar el poco memorable Delicate & Jumpy (1976), estrenado por Columbia Records en los EE.UU. y Island Records en el Reino Unido. Para ese tiempo, Island Records en el Reino Unido estreno la colección musical de la Fania titulada Commitment, Latin Connection, Lo Que Pide La Gente y Viva La Charanga.
Para celebrar el 20 aniversario de la banda se estreno en el 1986, “Live in Africa”, grabado en Zaire en el 1974, y “Live in Japan”, grabado en el Japon en el 1976. Los 30 años de Fania Records, fueron conmemorado en el 1994 con un gira de tres ciudades (San Juan, Miami, y Nueva York) por los integrantes originales de los All Stars.
En el 1971 el segundo concierto de la Fania All Star fue grabada y filmada en vivo, resultando en los Volúmenes 1 y 2 de la “Fania All Stars Live at the Cheetah.” Esta grabación se convirtió en el álbum latino mas vendido por un grupo grabado en un solo concierto.
Después de sus conciertos en Puerto Rico, Chicago, y Panamá, la Fania All Stars hicieron su primera representación en el Yankee Stadium, con una capacidad de 64.000 espectadores, el 24 de Agosto, 1973, con sus lumbreras principales: Ray Barretto, Willie Colón, Larry Harlow, Johnny Pacheco, Roberto Roena, Bobby Valentín y otros que gozaban con Manu Dibango, Mongo Santamaría, y Jorge Santana (hermano menor de Carlos Santana). Antes del evento, fue ambiciosamente pronosticado que el concierto iba a revolucionar la industria musical, como lo hicieron los Beatles en los primeros años del los sesenta y Woodstock en el 1969. Material de su concierto en el Yankee Stadium de Agosto 1973, y también de su concierto en el Coliseo Roberto Clemente en San Juan, Puerto Rico, constituyen la mitad de su grabación Latin-Soul-Rock (1974).
En el 1974, la representación de los All Stars en el estadio Statu Hai (con una capacidad de 80.000 espectadores) en Kinshasa, Zaire también fue grabada por Gast y estrenada como la película “Live In Africa” - 1974 (distribuida en video en el Reino Unido bajo el titulo “Salsa Madness”, en el 1991). Esta representación Zaireña ocurrió en el festival de música que se llevo acabo en combinación con la pelea titular de peso alto entre Mohammed Ali y George Forman. La Fania All Star compartió la misma tarima con Stevie Wonder y otros artistas muy conocidos que también tuvieron la oportunidad de interpretar sus canciones.
La Fania All Star volvió al Yankee Stadium en el 1975, resultando en dos volúmenes musicales titulados “Live At Yankee Stadium” (1975), en la cual se destacaron los vocalistas de La Fania y Vaya Records cuales incluían a Celia Cruz, Hector Lavoe, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Justo Betancourt, Ismael Quintana, Pete “El Conde” Rodríguez, Bobby Cruz, y Santos Colon.
En la búsqueda de La Fania por un mercado más amplio para la Salsa, hicieron un negocio con Columbia Records para grabar una serie de álbums con la intención de cruzar géneros musicales Norteamericanos con el sonido latino. El primer proyecto fue el acoplamiento de Steve Winwood con los músicos de los All Stars reducido a una sección rítmica compuesta por Pacheco, Barretto, Roena, Roena, Nicky Marrero, y Papo Lucca, para grabar el poco memorable Delicate & Jumpy (1976), estrenado por Columbia Records en los EE.UU. y Island Records en el Reino Unido. Para ese tiempo, Island Records en el Reino Unido estreno la colección musical de la Fania titulada Commitment, Latin Connection, Lo Que Pide La Gente y Viva La Charanga.
Para celebrar el 20 aniversario de la banda se estreno en el 1986, “Live in Africa”, grabado en Zaire en el 1974, y “Live in Japan”, grabado en el Japon en el 1976. Los 30 años de Fania Records, fueron conmemorado en el 1994 con un gira de tres ciudades (San Juan, Miami, y Nueva York) por los integrantes originales de los All Stars.
La Sonora Matancera
Sus Inicios
El 12 de enero de 1924, bajo la iniciativa de Valentín Cané se formó el conjunto Tuna Liberal, que en ése entonces era un conjunto de cuerdas ya que era el momento del auge del "Son", y para esto se requerían de cuatro guitarras acústicas. Su organización fundacional en ése entonces era de la siguiente manera:
* Valentín Cané: tres
* Pablo Vasquez "Bubú": contrabajo
* Ernesto Pérez: cantante
* Manuel Sánchez "Jimagua": timbales
* Ismael Goberna: trompeta
* Domingo Medina: 1° guitarra
* José Manuel Varela: 2° guitarra
* Julio Gobín: 3° guitarra
* Juan Bautista Llopis: 4° guitarra.
En el año de 1926, cambió su nombre al de Septeto Soprano. Ese mismo año acompaña en el coro a Eugenio Pérez, Carlos M. Díaz "Caíto" Más adelante en 1927, ingresa al grupo por recomendación de Caíto: Rogelio Martínez, se le cambia el nombre al conjunto pasando a ser Estudiantina Sonora Matancera, en conocimiento y deseo de superación en todo el grupo entero viaja a buscar suerte en La Habana, que es la cuna del Son Cubano. Es en ésta ciudad donde se ponen en contacto con la compañía discográfica "RCA Víctor" y hacen su primera grabación el 12 de enero de 1928.
El 12 de enero de 1924, bajo la iniciativa de Valentín Cané se formó el conjunto Tuna Liberal, que en ése entonces era un conjunto de cuerdas ya que era el momento del auge del "Son", y para esto se requerían de cuatro guitarras acústicas. Su organización fundacional en ése entonces era de la siguiente manera:
* Valentín Cané: tres
* Pablo Vasquez "Bubú": contrabajo
* Ernesto Pérez: cantante
* Manuel Sánchez "Jimagua": timbales
* Ismael Goberna: trompeta
* Domingo Medina: 1° guitarra
* José Manuel Varela: 2° guitarra
* Julio Gobín: 3° guitarra
* Juan Bautista Llopis: 4° guitarra.
En el año de 1926, cambió su nombre al de Septeto Soprano. Ese mismo año acompaña en el coro a Eugenio Pérez, Carlos M. Díaz "Caíto" Más adelante en 1927, ingresa al grupo por recomendación de Caíto: Rogelio Martínez, se le cambia el nombre al conjunto pasando a ser Estudiantina Sonora Matancera, en conocimiento y deseo de superación en todo el grupo entero viaja a buscar suerte en La Habana, que es la cuna del Son Cubano. Es en ésta ciudad donde se ponen en contacto con la compañía discográfica "RCA Víctor" y hacen su primera grabación el 12 de enero de 1928.
Iniciando la década del treinta, la agrupación empezó adaptarse a los nuevos ritmos que aparecían por la época como también adaptando nuevos instrumentos, es el caso del piano de cola, que fue tocado por primera vez en el conjunto por Dámaso Pérez Prado quien años después sería el Rey del Mambo. Pero es en 1935 cuando la agrupación toma como nombre La Sonora Matancera, y presenta con este cambio un nuevo trompetista: Calixto Leicea, quien reemplazó por cuestiones de salud a Ismael Goberna quien meses después fallecía. También ingresó el inolvidable José Rosario Chávez "Manteca", quien reemplazó al renunciante "Jimagua". Humberto Cané hace su ingreso a la agrupación tocando el tres y su padre Valentín Cané empezó tocando la tumbadora. En 1938 se retira Dámaso Pérez Prado y deja la vacante en el piano a Severino Ramos quien poco tiempo después se convertiría en el arreglista musical del conjunto. Sus últimas grabaciones realizadas el 21 de julio de 1944, para esa primera etapa de la RCA Víctor fueron:
Fecha Canción Autor 1944 21/7/1944 Pa' Congrí José Claro Fumero - Adolfo Rodríguez 21/7/1944 Coquito Acaramelado Calixto Leicea.
La Época de Oro de la Sonora Matancera [editar]
Se denomina así a los años comprendidos entre 1947 y 1959. En 1947, firman para el sello discográfico "Stinson" con el nombre de Conjunto Tropicavana, debido a que ya tenían un contrato firmado para la Panart y poseían la exclusividad de Sonora Matancera, y para evitar líos judiciales, lo cambiaron por "Tropic Habana", abreviado por Tropicavana. En esos tensos pero a la vez sustanciosos momentos, ingresan los cantantes: Miguel d'Gonzalo, Alfredito Valdés y Bienvenido León. En 1948 Quedando la vacante que dejó Valentín Cané en la tumbadora, un nuevo integrante los reemplazaría, Ángel Alfonso Furias "Yiyo". En octubre se integra a la Sonora Matancera uno de sus vocalistas más recordados: Daniel Santos y grabó su primer tema, el bolero: "Se Vende una Casita" del famósimo compositor boricua Pedro Flores. Se suma en 1949 la primera vocalista femenina del grupo Myrta Silva quién ejecutó la guaracha "Loca" de Maximino Rivera como también un nuevo sello discográfico "Cafamo" pero solo duró unos meses en dicha empresa, ya que también se firma para Ansonia Records, donde Bienvenido Granda graba varias canciones siendo la primera la guaracha "Se Rompió el Muñeco" del compositor José González Giralt, terminadas de grabar se cerró también el contrato con la casa discográfica. En 1950, Aparece nuevamente "RCA Víctor", donde grabó Daniel Santos, y al terminar se cerró el contrato también con la compañía.
Se denomina así a los años comprendidos entre 1947 y 1959. En 1947, firman para el sello discográfico "Stinson" con el nombre de Conjunto Tropicavana, debido a que ya tenían un contrato firmado para la Panart y poseían la exclusividad de Sonora Matancera, y para evitar líos judiciales, lo cambiaron por "Tropic Habana", abreviado por Tropicavana. En esos tensos pero a la vez sustanciosos momentos, ingresan los cantantes: Miguel d'Gonzalo, Alfredito Valdés y Bienvenido León. En 1948 Quedando la vacante que dejó Valentín Cané en la tumbadora, un nuevo integrante los reemplazaría, Ángel Alfonso Furias "Yiyo". En octubre se integra a la Sonora Matancera uno de sus vocalistas más recordados: Daniel Santos y grabó su primer tema, el bolero: "Se Vende una Casita" del famósimo compositor boricua Pedro Flores. Se suma en 1949 la primera vocalista femenina del grupo Myrta Silva quién ejecutó la guaracha "Loca" de Maximino Rivera como también un nuevo sello discográfico "Cafamo" pero solo duró unos meses en dicha empresa, ya que también se firma para Ansonia Records, donde Bienvenido Granda graba varias canciones siendo la primera la guaracha "Se Rompió el Muñeco" del compositor José González Giralt, terminadas de grabar se cerró también el contrato con la casa discográfica. En 1950, Aparece nuevamente "RCA Víctor", donde grabó Daniel Santos, y al terminar se cerró el contrato también con la compañía.
SONORA MATANCERA : PIEL CANELA canta BOBBY CAPO
Sonora Matancera..."JUANCITO TRUCUPEY".
domingo, 18 de mayo de 2008
Celia Cruz
CELIA CRUZ CON LA SONORA MATANCERA "POPURRI"
Celia Cruz Yo viviré (Live)
Celia Cruz and The Fania All Stars Quimabra
Úrsula Hilaria Celia Caridad Cruz Alfonso más conocida como Celia Cruz (*La Habana; 21 de octubre de 1925 - † Fort Lee, Nueva Jersey; 16 de julio del 2003) fue una cantante cubana de salsa que pasó la mayor parte de su carrera viviendo y trabajando en los Estados Unidos. Reconocida por propios y extraños, Celia Cruz fue sin duda la cantante cubana mas conocida y mejor pagada de todos los tiempos en el genero musical de salsa
Cruz fue una de las cantantes cubanas y latinoamericanas más exitosas del siglo XX, con veintidós álbumes de oro a su nombre. Celia ha sido conocida en el mundo entero por la calidad como cantante y por su famosa frase "¡Azúcar!", símbolo de su filosofía ante la vida y de su orgullo de ser cubana.
Cruz fue una de las cantantes cubanas y latinoamericanas más exitosas del siglo XX, con veintidós álbumes de oro a su nombre. Celia ha sido conocida en el mundo entero por la calidad como cantante y por su famosa frase "¡Azúcar!", símbolo de su filosofía ante la vida y de su orgullo de ser cubana.
El viaje sin retorno
El 15 de julio de1960, surge un contrato para La Sonora Matancera con Celia Cruz en México por esos años como consecuencia de la Revolución cubana dirigida por Fidel Castro, Celia salío de Cuba sin pensar que no volvería jamás a su amada tierra.
Cuando cumplió el mes de estancia en México recibe la noticia del fallecimiento de su padre. Trabajaron en el Terrazza Casino desde el 22 de julio del mismo año hasta el 20 de noviembre de 1961. Ese mismo año la Sonora y Celia viajaron a los Estados Unidos y comenzó a tocar Celia sin la Sonora en el Palladium Ballroom en la ciudad de Nueva York. En 1962, se volvió a integrar con la Sonora Matancera siendo contratados por Guillermo Arenas. Adquirió una vivienda en Nueva York. Un día fatal para Celia llegó el 7 de abril, cuando se estaba preparando para actuar, recibe la noticia del fallecimiento de su madre que venía luchando con un cáncer terminal de vejiga. Pero ese trago amargo se superó cuando el 14 de julio se casó en ceremonia civil con Pedro Knight. Luego hicieron gira por Europa con la Sonora Matancera y en 1964 cuando se encontraba en el Japón se presentó con Tito Puente. En 1965, Celia Cruz culminó su etapa con la Sonora Matancera en ese tiempo grabo con la orquesta de René Hernández y con Vicentico Valdés y con el Sello SEECO. Celia al quedar como solista, Pedro Knight decidió dejar su puesto en la Sonora Matancera para convertirse en su representante y director personal el 30 de abril de 1966. En este tiempo, Celia Cruz se había convertido en ciudadana de los Estados Unidos y juró que no volvería a Cuba mientras Fidel gobernara su país. Ese mismo año Tito Puente la llamó para trabajar junto con su Orquesta.
En 1966, Celia y Tito Puente iniciaron una asociación que editó cinco álbumes musicales. También grabó álbumes con la Orquesta de Memo Salamanca y una placa discográfica con Lino Frías, todos ellos bajo el Sello TICO. Estos álbumes no tuvieron tanto éxito como se esperaba, pero uno que otro número si pegó, es el caso de Bemba colorá. Sin embargo, después de ello, Cruz se unió a Vaya Records. Un cambio musical la hizo ingresar a la salsa. En 1973,se juntó con el pianista judío de la FANIA Larry Harlow y encabezó un concierto de música afrocubana en el Carnegie Hall de Nueva York. Allí Celia Cruz interpretó Gracia divina, su primera canción de salsa y la puerta a este nuevo ritmo. Fue producido por el ya desaparecido Jerry Masucci y quien es considerado el creador del género salsa, Johnny Pacheco.
Otros acontecimientos [editar]
Firmó Celia a largo plazo con la casa discográfica de Masucci: VAYA LABEL. Es así que lanza su álbum en 1974 con Johnny Pacheco, Celia y Johnny, todos los números fueron éxitos de aquel disco es el caso de: Químbara, Toro mata, Vieja luna, Lo tuyo es mental, entre otros. Obtuvo el disco de oro y Celia pronto se unió a la Fania All Stars, que era una combinación de los músicos de cada orquesta que tocaba para el sello musical Fania (propietario de Vaya Records). Con la Fania All Stars, Celia tuvo la oportunidad de visitar el Reino Unido, Francia, Zaire y de regresar a Latinoamérica. Siguieron las grabaciones con Pacheco, y más éxitos se sumaron: El guaba, La dicha mía, Así cantaba papá, Cúcala, entre otros. En 1977, graba con el sensacional Willie Colón, su primer sencillo, donde tuvo brillantes números como: Usted abusó, A papá, Pun Pun Pun Calatu. Volviendo a grabar con él en 1981 y en 1987, más éxitos como: Berimbau, Un bembé pa' Yemayá, Se tambalea...
Durante los años 1980, Celia Cruz grabó y realizó varias giras en Latinoamérica, dando múltiples conciertos y shows de televisión donde quiera que iba, cantando tanto con estrellas jóvenes como de su propia época. En 1982 se reencontró con la Sonora Matancera, y grabó un sensacional disco: Feliz Encuentro Ese mismo año también se le rindió un homenaje en el Madison Square Garden, y la acompañaron todos aquellos que la acompañaron en su carrera artística y también artistas invitados. En 1987 en Santa Cruz de Tenerife fue reconocida por el Libro Guinness de Récords, como el concierto más grande al aire libre que se mantiene en la actualidad, a ese mismo concierto en la Plaza de España de Santa Cruz, acudieron 250.000 personas(bailando la misma canción). En 1989, ganó su primer Premio Grammy por su disco que grabó con Ray Barretto y también fue invitada para celebrar los 65 años de la Sonora Matancera en el Central Park de Nueva York, compartiendo escenario con sus añejos compañeros: Daniel Santos, Carlos Argentino, Vicentico Valdés, Bobby Capó... En 1984 conoce a Mario Kreutzberger Don Francisco y la invita a actuar en el programa Sábado Gigante que animaba en Chile y años más tarde en Miami.
En 1990, logra viajar a Guantánamo (Cuba), para dar un concierto, ese día de la emoción las lágrimas no pudo contener ya que se le vino a la mente maravillosos recuerdos. Cuando salió se llevó en una bolsa unos gramos de tierra de Cuba, misma que acompaña el ataud con ella.
En 1992 participó con Armand Assante y Antonio Banderas en la película Los reyes del mambo. También participó en el homenaje que se le hizo a Lola Flores, la Faraona en Miami, e inmortalizó en el disco Burundanga. En 1993, bajo el sello de Ralph Mercado, grabo su disco Azúcar negra, ese tema junto a Sazón fueron grandes éxitos. Para 1997, graba para Televisa la telenovela El alma no tiene color. Ese año el 25 de octubre la ciudad de San Francisco declara ese día oficialmente para Celia Cruz. En 1998 lanzó su disco Mi vida es cantar y un tema muy sonado fue: La vida es un carnaval. Para 1999 participó en Módena (Italia) en el concierto Pavarotti and Friends. También ese mismo año firmó para la SONY Music. La Solidaridad, también está presente, cuando el mismo Don Francisco la invita a actuar en la Teletón Chilena de 1998.
En el 2000 es nominada al Grammy y lo gana por su álbum Celia and Friends, sin pensar que ese mismo año Tito Puente, fallecía víctima de un infarto.
En el 2001 nuevamente gana el Grammy por su disco "Siempre Viviré"
Cuando cumplió el mes de estancia en México recibe la noticia del fallecimiento de su padre. Trabajaron en el Terrazza Casino desde el 22 de julio del mismo año hasta el 20 de noviembre de 1961. Ese mismo año la Sonora y Celia viajaron a los Estados Unidos y comenzó a tocar Celia sin la Sonora en el Palladium Ballroom en la ciudad de Nueva York. En 1962, se volvió a integrar con la Sonora Matancera siendo contratados por Guillermo Arenas. Adquirió una vivienda en Nueva York. Un día fatal para Celia llegó el 7 de abril, cuando se estaba preparando para actuar, recibe la noticia del fallecimiento de su madre que venía luchando con un cáncer terminal de vejiga. Pero ese trago amargo se superó cuando el 14 de julio se casó en ceremonia civil con Pedro Knight. Luego hicieron gira por Europa con la Sonora Matancera y en 1964 cuando se encontraba en el Japón se presentó con Tito Puente. En 1965, Celia Cruz culminó su etapa con la Sonora Matancera en ese tiempo grabo con la orquesta de René Hernández y con Vicentico Valdés y con el Sello SEECO. Celia al quedar como solista, Pedro Knight decidió dejar su puesto en la Sonora Matancera para convertirse en su representante y director personal el 30 de abril de 1966. En este tiempo, Celia Cruz se había convertido en ciudadana de los Estados Unidos y juró que no volvería a Cuba mientras Fidel gobernara su país. Ese mismo año Tito Puente la llamó para trabajar junto con su Orquesta.
En 1966, Celia y Tito Puente iniciaron una asociación que editó cinco álbumes musicales. También grabó álbumes con la Orquesta de Memo Salamanca y una placa discográfica con Lino Frías, todos ellos bajo el Sello TICO. Estos álbumes no tuvieron tanto éxito como se esperaba, pero uno que otro número si pegó, es el caso de Bemba colorá. Sin embargo, después de ello, Cruz se unió a Vaya Records. Un cambio musical la hizo ingresar a la salsa. En 1973,se juntó con el pianista judío de la FANIA Larry Harlow y encabezó un concierto de música afrocubana en el Carnegie Hall de Nueva York. Allí Celia Cruz interpretó Gracia divina, su primera canción de salsa y la puerta a este nuevo ritmo. Fue producido por el ya desaparecido Jerry Masucci y quien es considerado el creador del género salsa, Johnny Pacheco.
Otros acontecimientos [editar]
Firmó Celia a largo plazo con la casa discográfica de Masucci: VAYA LABEL. Es así que lanza su álbum en 1974 con Johnny Pacheco, Celia y Johnny, todos los números fueron éxitos de aquel disco es el caso de: Químbara, Toro mata, Vieja luna, Lo tuyo es mental, entre otros. Obtuvo el disco de oro y Celia pronto se unió a la Fania All Stars, que era una combinación de los músicos de cada orquesta que tocaba para el sello musical Fania (propietario de Vaya Records). Con la Fania All Stars, Celia tuvo la oportunidad de visitar el Reino Unido, Francia, Zaire y de regresar a Latinoamérica. Siguieron las grabaciones con Pacheco, y más éxitos se sumaron: El guaba, La dicha mía, Así cantaba papá, Cúcala, entre otros. En 1977, graba con el sensacional Willie Colón, su primer sencillo, donde tuvo brillantes números como: Usted abusó, A papá, Pun Pun Pun Calatu. Volviendo a grabar con él en 1981 y en 1987, más éxitos como: Berimbau, Un bembé pa' Yemayá, Se tambalea...
Durante los años 1980, Celia Cruz grabó y realizó varias giras en Latinoamérica, dando múltiples conciertos y shows de televisión donde quiera que iba, cantando tanto con estrellas jóvenes como de su propia época. En 1982 se reencontró con la Sonora Matancera, y grabó un sensacional disco: Feliz Encuentro Ese mismo año también se le rindió un homenaje en el Madison Square Garden, y la acompañaron todos aquellos que la acompañaron en su carrera artística y también artistas invitados. En 1987 en Santa Cruz de Tenerife fue reconocida por el Libro Guinness de Récords, como el concierto más grande al aire libre que se mantiene en la actualidad, a ese mismo concierto en la Plaza de España de Santa Cruz, acudieron 250.000 personas(bailando la misma canción). En 1989, ganó su primer Premio Grammy por su disco que grabó con Ray Barretto y también fue invitada para celebrar los 65 años de la Sonora Matancera en el Central Park de Nueva York, compartiendo escenario con sus añejos compañeros: Daniel Santos, Carlos Argentino, Vicentico Valdés, Bobby Capó... En 1984 conoce a Mario Kreutzberger Don Francisco y la invita a actuar en el programa Sábado Gigante que animaba en Chile y años más tarde en Miami.
En 1990, logra viajar a Guantánamo (Cuba), para dar un concierto, ese día de la emoción las lágrimas no pudo contener ya que se le vino a la mente maravillosos recuerdos. Cuando salió se llevó en una bolsa unos gramos de tierra de Cuba, misma que acompaña el ataud con ella.
En 1992 participó con Armand Assante y Antonio Banderas en la película Los reyes del mambo. También participó en el homenaje que se le hizo a Lola Flores, la Faraona en Miami, e inmortalizó en el disco Burundanga. En 1993, bajo el sello de Ralph Mercado, grabo su disco Azúcar negra, ese tema junto a Sazón fueron grandes éxitos. Para 1997, graba para Televisa la telenovela El alma no tiene color. Ese año el 25 de octubre la ciudad de San Francisco declara ese día oficialmente para Celia Cruz. En 1998 lanzó su disco Mi vida es cantar y un tema muy sonado fue: La vida es un carnaval. Para 1999 participó en Módena (Italia) en el concierto Pavarotti and Friends. También ese mismo año firmó para la SONY Music. La Solidaridad, también está presente, cuando el mismo Don Francisco la invita a actuar en la Teletón Chilena de 1998.
En el 2000 es nominada al Grammy y lo gana por su álbum Celia and Friends, sin pensar que ese mismo año Tito Puente, fallecía víctima de un infarto.
En el 2001 nuevamente gana el Grammy por su disco "Siempre Viviré"
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